Dos entradas publicadas y hemos cubierto apenas diez años de una carrera de cuarenta. Si siguiésemos este camino, estaríamos más cerca de un libro de la editorial La Máscara que de un blog de pacotilla, así que vamos a poner en un segundo plano el tema musical y nos centraremos finalmente en la persona: ese rubio de ojos claros dispares que nos vuelve locos.

Dejamos a Bowie como una de las mayores estrellas mundiales tras su Let’s Dance, y aunque ninguno de sus trabajos posteriores se acercó ni de lejos a este éxito, no por ello hay que obviarlos. Continúa con la música de baile y alguna pequeña incursión rock en los 80s hasta que se cansa de todo, deja a un lado su megalomanía y se le ocurre formar una banda como Tin Machine. No diré que genial, pero sí buena. Dos discos y un directo de unos yuppies roqueros que pasan casi inadvertidos. Se conoce que en ese parón coge impulso y en los noventa retoma su vena electro-experimental, y en los dosmiles ya se convierte en el mito. Fin.

Echa un ojo a las últimas actuaciones de Bowie, su presencia, su carisma en el escenario, sus músicos. Este es otro de los que tienen repertorio más que de sobra, pero es en las giras de Heathen (2002) y Reality (2004) donde cada canción te pone en pie. Desde las añejas de Ziggy hasta las nuevas de Reality (último disco de Bowie hasta la fecha). Yo he escuchado toda su discografía y pienso que esos discos no triunfaron más porque eran de Bowie: si hubieran sido de artistas nuevos aún se hablaría de ellos. Basta de cháchara!!

Ese señor encorbatado es el resultado de una vida llena de recovecos. Ya no tiene que inventarse ningún personaje que parasitar porque se tiene a él mismo. David Bowie. Un tío que paralelamente a su legado musical desde los setenta jugó con su orientación sexual y proclamó sus gustos homosexuales, aún estando casado con Angie (nada que ver con la canción de los Stones). Confesar que su pérdida de virginidad fue con un hombre le trajo muchos problemas, pero son estos hechos los que le han llevado a ser quién es ahora. Dejó al mundo pasmado cuando se casó con la primera súper-modelo negra Imán (envidia). Su facilidad para absorber todo lo que le rodea y hacerlo suyo quedó demostrada tras su paso por la NY de la Velvet y el Berlín de los 80s. Bowie produjo el Transformer de Lou Reed y está prácticamente detrás de todo lo bueno que ha hecho Iggy Pop. Incluso mezcló el puto Raw Power. Lust for life también está compuesta por él.

Sus apariciones en la gran pantalla siempre se recuerdan (desde Christiane F., Feliz Navidad, Mr. Lawrence y Dentro del Laberinto hasta Zoolander y Bob Esponja), pero no se limitó a poner el jeto y se curró otras muchas bandas sonoras. Pinta desde hace mucho tiempo, y bien. Ha explorado la música y el arte en todos los campos posibles… Pero ¿dónde está ahora? ¿No voy a tener el placer de verle nunca en persona (sea tomando algo o como público en un concierto a 100 metros de distancia)? Estuve a punto en 2004 en los conciertos del Xacobeo en Santiago, pero semanas atrás algo le alcanzó en un ojo durante un concierto y suspendió la gira. También para aprovechar y arreglarse un corazón que ya le había dado algún que otro aviso debido a empezar un World Tour con demasiada fuerza.

De vez en cuando se deja oír o ver en alguna colaboración… ¿Quién no quiere contar con Bowie? Pero dicen que la pintura es ahora su amor. Sólo los Arcade Fire le han hecho tilín últimamente.

 ¿Volverá a las trincheras un año de éstos? Vemos a gente mayor que él metiéndose giras mundiales como si nada, así que 65 tacos no son nada. Vuelve, David!! Sabemos que no lo harás como un carcamal en busca de pasta, sino adaptado a la situación como siempre lo has hecho. ¿Quieres ver a Bowie? ¿O te molan más los Strokes?

Mira, también los músicos que lleva son mancos, no?

Siento la afrenta. Este es el personaje sobre el que más me ha costado escribir. Y terminaré escribiendo algo que si me conoces en persona, puede que me hayas escuchado alguna vez. ‘Soy hetero al 100%, pero me viene David con ganas de comisaría y ni me lo pensaba’.

Salud y larga vida al Camaleón.

En 1975 Bowie estaba en Los Angeles rodando su primer papel en una película ‘The Man Who Fell The Earth’, y sea por este proyecto, por sus rollos mentales o por no adaptarse en ningún momento a la ciudad, el Camaleón entró en un estado de terror interior. Únicamente consumía pimientos, leche y cocaína. Mucha cocaína. El delgado Duque Blanco poseyó el cuerpo y la mente de David, completamente emparanoiado con Aleister Crowley, quemando velas negras y creyendo ver cuerpos cayendo tras las ventanas de su casa. Extremadamente delgado y siempre con camisa blanca y chaleco y pantalón negros, pero como resultado de este estado mental llega a nuestras manos una auténtica obra maestra. Station To Station continúa con el funk y soul (siempre a la manera Bowie), y permite la entrada de nuevos sonidos electrónicos procedentes dela Alemaniade Kraftwerk y Neu!

A pesar de todo, sexy y con una genial voz. Regaló este Sister Midnight a su gran amigo Iggy Pop para el disco que le produjo y compuso (The Idiot, 1977), aunque posteriormente la grabaría para Lodger (1979). Station To Station también era una transición, en este caso hacia la (una vez más, genial) trilogía berlinesa de Bowie. Low, “Heroes” y Lodger fueron concebidos (no grabados) por Brian Eno y David Bowie cuando el último compartía piso con Iggy en Berlín Occidental. El Delgado Duque Blanco ya se las había pirado.

Personalmente, Low es uno de los discos que más me ha descolocado e impresionado. Para muchos es un truño electrónico, pero en él David Bowie muestra lo que es capaz de hacer y los terrenos que es capaz de explorar. Con éxito. Siempre con éxito. Normalmente se cuelga la medalla a Brian Eno debido a su conocida labor de productor en otras ocasiones, pero la trilogía está producida al completo por Bowie junto a Tony Visconti. De nuevo otra obra maestra. Puede decirse que su descenso personal a los infiernos supuso el ascenso a los cielos de la creatividad, porque con la calidad de estos trabajos David impresionó al mundo, se metió en el bolsillo a la crítica y en resumidas cuentas, reunió los requisitos necesarios para afrontar su siguiente evolución. De los 70s a los 80s. De súper-estrella a mega-estrella.

En 1980 se publica Scary Monsters (and Super Creeps), que cambia el paso y antepone el sentido comercial a la creación libre. De nuevo un genial álbum que también incluía un single de éxito como ‘Ashes To Ashes’ y colocaba a Bowie en muy buena posición en la parrilla de salida de la década que justo acaba de comenzar. Encima para rizar el rizo y continuando con sus pinitos como actor, interpreta con éxito ‘El Hombre Elefante’ en Broadway. Bowie tiene ya a todo el mundo pendiente de su próximo trabajo, sea musical, cinematográfico, teatral… El tío lo hace todo bien. El público le considera ‘el artista total’. Todo lo que haga es de interés.

Su unión con Queen en 1981 para la grabación de Under Pressure es una de las mejores colaboraciones entre artistas que se recuerda. Hace un cameo y pone gran parte de la música en la durísima película Christiane F. Interpreta el personaje principal en la obra televisiva dela BBC Baal… Pero es en 1983 cuando vuelve a sorprender y agradar al mundo entero. Los 80s es la década del pop. Llegan las hombreras, el vinilo y David Bowie decide que es hora de salir a la pista y echarse un bailecito, y va y saca el que probablemente sea el disco que mejor define esta década.

Let’s Dance es el disco por antonomasia de David Bowie. Siempre me ha cautivado la forma en que pegó un puñetazo en la mesa y enseñó a todo el mundo cómo se hacía un disco de baile. “Ya habéis visto de lo que soy capaz, pero ahora os voy a hacer bailar”. La crítica no lo recibió con los brazos abiertos, pero el público lo convirtió en su banda sonora. Si tratas de ilustrar con canciones la historia de la música por décadas en los 50s pondrás probablemente una de Elvis, en los 60s clavarás una de los primeros Beatles, en los 70s a saber (hay tantos…), pero al llegar a los 80s te viene Let’s Dance. La ecualización de la batería, los teclados, los ecos de la voz, el saxofón… ¿Sabías que el guitarrista principal de este disco es Stevie Ray Vaughan? Una auténtica lección de producción (Bowie/Nile Rogers de Chic) que siempre me ha molado.  Y siempre ha sido la siguiente canción la que me ha vuelto loco.

De nuevo lo tenemos que dejar aquí. Cerraremos la trilogía en la siguiente entrada, pero es que este tío no deja de conquistarme una y otra vez cuanto más voy descubriendo de él. Su música es absolutamente inigualable, así como su vista del negocio, su capacidad de adaptación a los tiempos, su continua evolución, su forma de adelantarse siempre unos años a los demás… En fin.

Que salud, oye.

Sube al escenario John Doe. Juan Nadie. Don Nadie. Pongámonos en antecedentes, porque la historia de este señor es más que relevante. El artistazo que anoche calentó al público antes de los SCAC abre su currículum con la formación allá por 1977 de la banda X, uno de los primeros atisbos punks de la Costa Oeste americana. Aquí le tienes rebosante de juventud dándolo todo.

Hum… Esa cara me suena. A este tío yo le he visto antes… Seeee… ¡¡¡Era el sobrino del malo en De Profesión Duro!!! Resulta que el tío también es actor, y aparte de en ésa le habrás visto en otras muchas más: Gran Bola de Fuego, Wyatt Erp, Boogie Nights… El tío aparece incluso en el vídeo oficial de LA Woman de The Doors, dirigido por el mismísimo Ray Manzarek, que además produciría a X. ¡Ay que joderse! ¡Este tío tiene bastante que contar! Y que cantar, por supuesto. Aunque olvídate del punk, que nos vamos a poner las botas con espuelas y vamos a tirar más por el country-rock, el bluegrass y el rock añejo en general. Mike Ness, de Social Distorsion también hizo lo mismo, así que parece que existe un fuerte vínculo con el punk ¿no?

Traje y corbata. Guitarra (también es bajista). Le acompañan unos músicos impresionantes. Karl Hoffman al bajo (perfecto); Stu Johnson con su gorro de joven castor a la batería (clavado a la par que animadísimo); Maggie Bjorklund al pedal steel guitar (Maggie!!!) y Cindy Wasserman a la voz femenina, que no segunda voz. ¿De dónde ha salido esta gente? ¿Por qué no he sabido de su existencia antes? Seguro que a ti también te ha pasado: simplemente con verles subir al escenario y encarar los primeros acordes uno sabe que son buenos.

Muy buenos. Deliciosamente buenos. Su música se deshace en tu paladar como un bombón de chocolate negro. El nuevo disco se llama Keeper (2011), y es el motivo del placer su visita, aunque no el protagonista único de su show. Buena música, rock puro, momentos sublimes de bluegrass a lo Plant-Krauss… Sensacionales de verdad.

Ante una calidad (sonora) de esta talla, uno sólo puede quedarse temblando y no de frío, niño. Loza y David de Los Coronas menean la pierna al ritmo de la buena música mientras esperan a SCAC. No sé… Hora y pico de concierto. Luego resulta difícil centrarse con el tema de la estampida nicotínica, pero cuando minutos después Slim Cessna’s Auto Club comienzan su actuación, yo cuento menos público. John y Cindy andan por ahí pidiéndose una espumosa, vendiendo su merchandising y conversando y haciéndose fotos amablemente con quien se lo pide.

Mientras, se presentan los Slim Cessna’s Auto Club. Una mezcla de Madness, Hayseed Dixie y La Charanga del Tío Honorio. Slim Cessna es el tipo alto que recuerda a Elwood Blues, y Munly Munly le acompaña a lo banda de ska. Una Fender de doble mástil con una imagen de la Virgen marca la melodía. El del contrabajo lleva un sombrero tejano. Al teclado un señor que parece que se ha equivocado de sitio… Graciosos, divertidos… Aunque no terminan de engancharme. Esta banda debe ser perfecta para cuando ya te has tomado unas cuantas y sólo quieres cachondeo.

Pero no para cerrar un miércoles tras un día entero de curro. Por lo menos no es mi caso, así que tendré que buscar otro contexto en el que verles. A mí se me siguen yendo los ojos a Los Coronas, que les tengo al lado. Y me sigue faltando bastante público.

Salud!!

En toda lista de los mejores artistas de la historia del rock, dos señores siempre aparecen en los primeros puestos, y ambos comparten además fecha de nacimiento. Elvis Presley y David Bowie nacieron el 8 de enero (y Jimmy Page el 9 de enero, que se retrasó un poquito). A mí me parece curioso, oye. Tan curioso como que aún este blog de pacotilla no haya dedicado una entrada al Camaleón, al Duque Blanco, a uno de mis artistas favoritos.

David Robert Jones es su nombre real, pero se lo tuvo que cambiar cuando empezaba su carrera musical. Entonces se hacía llamar Davy Jones, igual que el cantante de los Monkees, y como el que no era nadie era él, sucumbió y se puso Bowie a mediados de los 60s. ¿Por qué Bowie? Pues vaya usted a saber por qué David tomó este apellido en honor a un tipo de cuchillo. De machete, más bien. Un explorador llamado Jim Bowie ideó esta herramienta para ¿cortar los níscalos? Aparte del nombre, David también tenía ya otra de las señas que le identifican inconfundiblemente. Sus ojos. Esos preciosos ojos azules… Que no Chemi, que no te enteras!!! Que uno es azul y el otro es verde-marrón-castaño-negro-miel-rojo… Pues no. Ambos son azules, pero debido a una pelea de juventud (por una chica) un golpe en el ojo le dejó la pupila dilatada para siempre, así que la heterocromía es sólo aparente. Según la luz parecen de un color u otro, pero siempre han sido azules.

Musicalmente podemos saltarnos la época de primeros pinitos musicales e ir directamente a 1969. Space Oddity llega justo a tiempo. El single sale a la venta el 11 de julio de ese año, es decir, 9 días antes del pequeño paso para el hombre y el gran paso para los americanos. Por tanto tenemos un pelotazo con todas las letras: musical y socialmente. Pero eso no será en 1969, sino con la reedición de 1972. Curioso. Bueno, el nombre de Bowie comenzó por tanto a sonar en 1969, pero ¿por qué nadie le hizo el caso que se merecía? ¿Por qué los geniales The Man Who Sold The World y Hunky Dory no fueron los éxitos que deberían haber sido?

A David le faltaba la pimienta. Tenía el don, el genio, la actitud… Siempre buscó la forma de vender su producto, y eso lo encontró en la Gran Manzana. En el Max’s Kansas City de NY mandaban Lou Reed y la Velvet, Iggy y los Stooges, los NY Dolls, Patti Smith andaba por allí… Lo que se cocía en NY a principios de los 70s dejaba a Bowie como un paleto anticuado de las Islas, pero lo bueno de Bowie es que es capaz de darse cuenta de todo eso. La idea ya estaba metida en su cerebro cuando volvió a Reino Unido y poco después salió a la luz. Nace Ziggy Stardust.

Y el bebé no trae un pan bajo el brazo, sino el segundo mejor disco de la historia: The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars. Pero Bowie ha dado con su personaje, su alter ego. A partir de entonces tiene claro que el frío Davy Jones no volverá a pisar un escenario jamás. Acaba de descubrir al otro lado del espejo al tipo que va a conectar con el público y que va a vender sus discos.

Ah, Ziggy! ¡Qué gran disco! Desde el fabuloso inicio con Five Years (mi canción favorita de David Bowie, el single que nunca lo fue) hasta el ‘suicidio’ final. Imprescindible en todos los sentidos. Uno de esos discos que uno sólo puede escuchar de cabo a rabo. El éxito se consuma y Ziggy se convierte en un referente para todos, colaborando con Lou Reed en su Transformer, pariendo otro disco genial como Aladdin Sane, dando una lección de cómo dar la vuelta a sus temas favoritos de los 60s con Pin Ups.

Todo iba sobre ruedas, así que ¿por qué cambiar? ¿Por qué cargarse al personaje que le catapultó a la fama? Esto es lo que me gusta de David, que conoce su capacidad de reinvención. El detonante de la abrupta desaparición de Ziggy Stardust fue la disolución de su banda, The Spiders From Mars. David vio entonces la oportunidad de deshacerse de su creación antes de que su creación se deshiciera de él y no le tembló el pulso. En 1973 Ziggy desaparece y se inicia la transición hacia el Delgado Duque Blanco. Diamond Dogs parece Ziggy pero no lo es, David Live ya muestra el flequillo característico en sus próximos años y Young Americans es simplemente una joya que regala al Duque su primer número 1 americano, Fame. ¿Será por estar compuesta a pachas con Lennon?

Esto con una sola entrada no lo apañamos ni de coña, nene! Próximo capítulo: The Thin White Duke.
Salud!

El narcisismo vuelve a invadirme, y me jode escribirte de nuevo en primera persona. No quiero erigirme en protagonista absoluto de estas entradas, y si lo hago es siempre tratando de llevarte a ese concierto conmigo, de mostrarte ese grupo que no sólo me ha gustado a mí, sino que también creo que tú disfrutarás con él, de recomendarte ese libro que te va a molar… He estado en muchos conciertos este año (comparado con lo normal en otros años), y en todos me he acordado de gente con la que me hubiera gustado compartir ese momento, y ese recuerdo he tratado de plasmarlo en las correspondientes crónicas. Espero haberlo conseguido.  

¡Vaya año! Uno se hace a la idea de que ni en sus mejores sueños. Demasiado tarde. Pues no. El Rock and Roll sigue duro como el diamante, y ya son muchas bandas con miembros rondando y pasando de largo los 50 años, que siguen dando auténticas lecciones de rock y vida.

Roger Waters trajo la magia de The Wall y el espíritu de Pink Floyd dejando al público del Palacio de los Deportes con la boca abierta. Calidad suprema. ASIA casi me hacen llorar (en serio) en La Riviera. Los Beach Boys con 70 años nos hicieron bailar, reír y oler la sal del mar desde la Casa de Campo. Da igual que no fueran más que dos integrantes originales de la mítica banda: el espíritu era el de Los Chicos de la Playa al 100% (en 2012, reunión 50º Aniversario). A los Obús les dio igual haber terminado gira por todo lo alto en La Riviera, días después estallaron de nuevo en la Sala Caracol regalando a los colegas un show de dos horas que otros muchos hubieran finiquitado en la mitad de tiempo. La abuelita Wanda Jackson (74 castañas) nos erizó los vellos con sus historias de rock, su fuerza y su presencia en el escenario.

Por ley, el dios Cronos hubiera cerrado el grifo, pero los arriba firmantes se resisten, y ¡encima mejoran! Todos los conciertos mencionados fueron mucho más de lo esperado. Si eres fan de los Who piensa en si los mejores conciertos de la banda fueron o no los de 2001. Ahí lo dejo. Cuando es imposible disfrutar los originales, ahí hemos tenido nuestra querida Sala Live con sus homenajes: Bonzo Experience, Hendrix Experience, Elvis Original Tribute… Dignos, muy dignos.

La crisis aprieta a todo el mundo, pero te recuerdo que el sector discográfico lleva bastantes años ya en ella, y por eso las bandas buscan beneficios en los directos. Visitas antaño impensables ahora cobran forma. Bandas que nunca pisaron España nos visitan. ¡Aprovechemos! Somos mediterráneos y calientes, y tengo constancia de que muchos artistas lo flipan con el calor que transmite el público español. Los americanos ni bailan. Y si te fijas, repiten visita. Les gusta. Los Black Crowes se hicieron de rogar para venir al Azkena en 2009 pero luego no dudaron en apuntarse al BBK de este año. Como resultado, el mejor concierto del año.

El mejor para mí. Por nombre, por magnitud del evento, por el emplazamiento, por ambiente, por el viaje, por la compañía… Calidad es la palabra para todos los conciertos que he visto este año, pero lo de los Crowes fue demasiado. No llegó a las dos horas de show, pero no tiene importancia, porque hacía un par de meses, Jim Jones Revue nos enseñaron que te pueden fundir los empastes en 15 minutos, y hay bandas y conciertos en los que con una hora tienes más que de sobra para irte a casa saciado.

Ellos también nos mostraron que hay vida más allá de las estrellas con nombre, y que si no andas atento al facebook para lo que tienes que estar atento en vez de andar dando por culo con las invitaciones del Cityville y las granjas de los cojones, te perderás conciertazos como el que dio Electric Mary en La Boite. También hay que disfrutar del encanto de las salas pequeñas, en las que puedes sentir y ver a los artistas de cerca (además tardas mucho menos en salir a fumar y en pedirte una birra).

Y los españoles también existen: consagrados como Loquillo, Vargas, Los DelTonos, Coque Malla, los 10 años de Garaje Jack… e intentando abrirse paso como Hotel, Sparkle Gross y otros tantos… A este último grupo de bandas le deseo suerte, porque la calidad la tienen, pero les ha tocado vivir tiempos jodidos para el rock.

Me despediré ya (me estoy poniendo más pesao que San Pablo con los pobres Corintios) dando las gracias. A vosotr@s por dejaros dar la matraca un poco. A los que me animáis, a los que me insultáis… Estoy orgulloso de no poder empezar a dar nombres porque es imposible no olvidar alguno. Espero cruzarme con vosotros y llevar la pasta suficiente para invitaros a una birra.

Springsteen, Tom Petty, Bonamassa, Black Sabbath, AC/DC, Muse y tantos y tantos… Verles a ellos será estupendo, pero lo cojonudo de verdad será verles contigo. 

Nos vemos en 2012!!

Salud!

http://www.ivoox.com/alegrame-dia-23-11-2011-audios-mp3_rf_942096_1.html

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Han pasado algunos años y por fin llega la oportunidad de verles en directo. Una asignatura pendiente que he tardado demasiado tiempo en convalidar pero como se dice, ‘nunca es tarde…’ El lugar: Sala Caracol (siiii… yaaaa… es que vivo al lado, joder!). El motivo: la presentación de su nuevo trabajo ‘La Caja de los Truenos’, ya a la venta en la web oficial de la banda. La hora: la de siempre. La cerveza: fría. Hoy toca blues-rock del bueno, y por si no lo sabías los tres miembros Dixie Town tratan meterte en situación con un buen repertorio de blues añejo. Los de Vigo sonaron bien, y con la Thunderbird sonaron mucho mejor. Cosas de las cuerdas.

Poco después de las diez y media, desde Muriedas (Cantabria): Los DelTonos. Pase lo que pase la constante de la ecuación sigue siendo él, Hendrik Roever. Camisa de cuadros y muy lejos de parecer una estrella. Los Tres Hombres Enfermos ahora son cuatro y desde el primer momento suenan redondos, compactos, puros… Se podría intentar poner una etiqueta a esta banda, pero es difícil acertar con una sola. Rock? Blues? Rhythm & Blues? Bluegrass? Country? Pues de todo un poco, para que no te aburras. O quizás esa puede ser la esencia de Los DelTonos, la naturalidad de su música, de una banda que toca lo que apetece tocar según el momento.

Cada canción suena distinta a la anterior, pero con mucho criterio. Los cuatro instrumentos se ajustan como nos mola, ninguno destaca. La sección rítmica es simplemente perfecta y los solos y la voz de Hendrik no suenan por encima, sino integrados perfectamente en la canción. A la tercera va la vencida y ‘El Espíritu de la Montaña’ nos confirma que La Caja de los Truenos no es uno de esos experimentos con sonidos raros y cambios radicales de estilo. DelTonos siguen siendo ellos.

Esta primera parte del concierto nos transporta directamente a las carreteras americanas de largas rectas, más conduciendo un pedazo de camión que cabalgando a pelo una HD. Parando a engrasar con bourbon nuestras penas contra una barra de bar. Pasamos de un estado a otro según la canción. A Hendrik le falta intercambiar la empuñadura de la guitarra y alternar tocar indistintamente como zurdo y como diestro, porque cada solo es una exhibición, se atreve con el acero sagrado (pedal steel guitar), se gusta con el slide, y todo ello acompañando con su pedazo de voz.

Me llama la atención que el volumen sea cada vez más suave. Ni bajo, ni flojo. Suave. Uno se fija en cómo batería y bajo acarician a la canciones. Las abrazan. No sé si he escuchado alguna vez una sección rítmica así. La segunda guitarra se solapa con la principal a la perfección. Se destapa ‘La Caja de los Truenos’ y se cambia un poquito hacia temas más rockeros. Suenan piezas de todo el repertorio, y los DelTonos tienen repertorio, creéme. Pero a la hora de escuchar a los cántabros, guárdate un par de neuronas para prestar atención a las letras. Poesía de tugurio, de ‘lugar correcto pero hora equivocada’. Me quedo con una frase cuando me centro en la lírica: ‘todas las mujeres sois iguales, pero tú pareces la peor’. Siempre aparece este desamor en las composiciones de Roever, casando perfectamente con la música.

Cuesta entender de nuevo como una banda así no ha llegado más lejos (lo mismo no han querido, oye). Nivel musical altísimo sin caer en el virtuosismo porque sí y letras cercanas en español. Pero estamos acostumbrados a preguntarnos este tipo de cosas, no?  

Suena la genial Horizonte Eléctrico, versión española de Sweet Louisiana Sound de Billy Pilgrim, y creo que luego se despiden con ‘Todavía no sabes mi nombre’. Clasicazo. He escrito ‘creo’ porque si te digo la verdad perdí la cuenta de las veces que se despidieron: Somos los DelTonos, gracias por venir y si queréis otra, pedidla. La pedimos.

Andrés Muñiz vuelve a subir al escenario (ya estuvo al principio del concierto) tras la guitarra acústica de Hendrik (faltaba esa variedad de guitarra, tú!) y sosegamos de nuevo para volver a bailar después. Improvisación a la guitarra. Escucha. Y pedimos otra y otra (canción) porque nos da la sensación de que estos señores podrían estar tres horas tocando sin despeinarse. Pero no. Ya va siendo hora. Insisto en que se me mezclan los temas, pero me quedo con ‘No, Señor’ de nuevo del primer disco para terminar. Somos Los Deltonos: Feliz Navidad.

Geniales.

Salud.

Fácil es agenciarte un púlpito en internet y empezar a largar cosas, que a veces serán ciertas y otras veces darán muestra de la más absoluta ignorancia. En mi caso suele haber bastantes meteduras de pata y posts pasados completamente de fecha, pero prefiero dejarlos ahí sin corregir, pues se ve bien la fecha en la que se escribieron, y a partir de ahí se puede deducir el contexto del asunto.

Siempre he defendido que este blog sirve para aprender. Puede que te cuente cosas que no sabías, pero también me gusta que me corrijas, y que ilumines mi desconocimiento en otros aspectos. Este rollo viene a cuento del protagonista de esta entrada. Richard Cole.

Espera… Piensa… ¿Quién es Richard Cole? Richard Cole es un actor secundario en una de las mayores historias jamás contadas. La de Led Zeppelin. Hoy la música queda a un lado. Gracias a Dios, el tiempo pone a cada uno en su sitio, y a LZ se les venera en la actualidad por sus discos y directos, pero hubo un tiempo en el que Zep eran machacados por la prensa especializada y reconocidos por todos como los mayores gamberros que había parido la pérfida Albión. Televisores voladores, puños al viento, maletines llenos de látigos, bañeras llenas de cualquier sustancia que no fuera agua…

Seguro que sabéis quién fue Peter Grant. Una de las razones por las que LZ llegó tan alto fue su manager. Ex-actor, ex-luchador. Más de cien kilos de mala uva, sabiduría callejera y avaricia empresarial. “El 90% para la banda, lo tomas o lo dejas”. Algo impensable hasta entonces, pero los promotores de conciertos comprendieron que un 10% de Led Zeppelin era mejor que el 50% de nada. Y quien no lo entendía, se las tenía que ver con la mole. Y cuando fallaba el diálogo se procedía con los puños. Y el diálogo solía fallar.

Es aquí donde entra en escena Richard Cole. Su currículum consistía en ser de las primeras personas especializadas en organizar las giras americanas de bandas inglesas, así que Peter Grant no tardó en ponerle en nómina para que todo fuera perfecto en la carrera de los New Yardbirds. Cole encajó perfectamente tanto con la banda como con la mentalidad empresarial de Grant. Lo primero eran los artistas. Él era quien proporcionaba todos los caprichos (legales o no, saludables o no) a Page y compañía. Él mantenía a los indeseables de la prensa y a los fans masculinos alejados de sus chicos. Era una especie de co-manager. Pero si hay que definir a Cole de alguna manera, él fue ‘El Liante’.

Cole era el que encendía la mecha. Normalmente eso consistía en animar a Bonzo para que se transformase en ‘La Bestia’, y así empezaba todo. En la película Rock Star, alguien le decía a Mark Wahlberg que su misión como estrella del rock era llevar a cabo todas las barbaridades que sus fans imaginaban que hacía. Richard Cole hizo lo mismo con LZ. Imaginaos lo peor, pero yo quiero centrarme en dos leyendas famosas.

El Episodio del Tiburón. El hotel Edgewater de Seattle molaba porque se podía pescar desde las ventanas de las habitaciones. Siempre se ha dicho que Bonzo introdujo un tiburón vivo… Bueno, ya sabéis dónde. No fue Bonzo. Fue Cole. Y no fue un tiburón. Aunque ese día habían pescado varios tiburones, el pescado elegido fue un pargo colorado, porque la chica era pelirroja.

El Encuentro con el Rey. El primer encuentro con Elvis fue un sueño para Zep. Era su ídolo. Pero meses después Cole, que conocía a los pipas del Rey se presentó en la mansión de Bel-Air de Elvis con John Paul Jones. Elvis estaba tirado en el sofá viendo la tele en albornoz, y el malhablado Richard empezó a decir que ‘Qué mierda de fiesta es esta, joder!!’ y otras muestras de una cuidada sintaxis. Todo el mundo se quedó mudo, porque sabían que a Elvis no le gustaba un pelo que se dijeran palabrotas en su casa. Richard siguió, así que el anfitrión se levantó y empezó a poner pose de kárate (porque sabía). Un pequeño forcejeo y el peluco de Cole al suelo. Elvis recogió el reloj de oro de Tiffany’s roto y dijo, ‘Eh! Es bonito! Cole contestó. ‘Te lo regalo!’.

Pero nadie es más generoso que el Rey. Se fue a otra habitación y volvió con un reloj de oro decorado con 32 diamantes. ‘¡Quédatelo! ¿Y tú qué tienes?’. John Paul Jones se quitó su reloj de Mickey Mouse y Elvis volvió con otro reloj Baume & Mercie de lapis lázuli. ‘¿Qué más tenéis?’. Cole le dio una sortija y el Rey volvió con un anillo de diamantes en el que estaba grabado ‘Love Linda’. Las visitas a casa de Elvis duraban un máximo de 20 minutos, pero 3 horas después Elvis acompañó a sus invitados al coche y él mismo les abrió la puerta del coche.

Peter Grant murió en 1995 a causa de sus adicciones. Solo y arruinado. Cole le daba a los vicios tanto o más. Estaba en una cárcel italiana cuando Bonham murió. Años después volvió a presidio, pero salió, y el cabrón sigue vivo a pesar de todo. También fue el que salvó la vida a la mujer de Plant tras su accidente de tráfico en Grecia, y aunque le azuzaba, siempre cuidó de la Bestia.

Sólo quería que lo supieras.

Salud.

Hasta entonces, quedan dos entradas, y a la espera de algún buen concierto del que darte buena cuenta, mi querido hermano me insistió en dar una batida por un fenómeno anglosajón bastante curioso. Digo anglosajón porque por aquí ni se le ha puesto nombre. Hoy vamos de recopilación, de lista y de listo por el tema de los one-hit wonders.

Traducción: Maravillas de un éxito. Bandas que puede que fueran cojonudas, pero que pasarán a la historia por una única canción. O que eran malas de cojones y sólo llegaron a parir un buen tema. Una vez más, iremos con cuidado, que no quiero yo meterme en un charco. Ejemplo: uno de las canciones que más aparecen como one-hit wonder es por supuesto My Sharonna de The Knack, una de las bandas más frescas que he tenido el placer de escuchar. En este caso, estamos ante una genial banda que por mucho que trabajase, nunca se acercaría de nuevo al exitazo de su tema para la posteridad. ¿Conoces algún otro tema de The Knack?

A la cabeza me viene rápido el Roxette de Dr. Feelgood, o más recientemente, ‘Are You Gonna Be My Girl’ de Jet, ‘Bohemian Like You’ de los Dandy Warhols… Hagamos una pequeña lista. Hay cientos, quizás miles de canciones cuyos artistas sean sólo recordados por un tema, así que faltarán. Aviso. No obstante, definamos los filtros: han de ser temas inconfundibles, de corte roquero y de mediados de los 60s en adelante. Este último filtro es debido a que podemos llegar rápidamente a los 100 temas con el Louie, Louie de los Kingsmen, el Surfin’ Bird de los Trashmen y otras tantísimas de aquellos albores del rock. Sólo acepto el Sugar, Sugar de los Archies.

Canciones que aparecen en todas las recopilaciones y por las que más de uno se ha comprado el Grandes Éxitos de turno. Vamos allá:

No vamos a hacer una lista del 10 al 1 para que nadie se queje, pero de haber un nº1 éste sin duda sería el Come On Eileen de Dexys Midnight Runners, que además, rizando el rizo, originó otro one-hit wonder con esta genial versión de los Save Ferris (Todo en un Día, con Matthew Broderick).

Igual que el Venus de los Shocking Blue fue el único éxito reseñable tanto de sus creadores como de aquellas tres chicas que respondían al nombre de Bananarama.

¡Qué tiempos, tú! A esto es a lo que me refiero. Los temas de esta época son los que mejor definen un one-hit wonder. Da igual el ánimo que tengas, el Walking on Sunshine de Katrina and The Waves te carga las pilas sí o sí. Aunque estoy pensando si echarles de este post por hacer trampas: Katrina and The Waves ¡¡ganaron Eurovisión!! en 1997 con una canción llamada ‘Love Shine a Light’.

Tainted Love – Soft Cell
Nena – 99 Luftballons/99 Red Balloons
A-ha – Take on Me (sí, esta entra)
The LA’s – There She Goes
The Buggles – Video Killed the Radio Star
The Rembrandts – I’ll Be There For You (nunca me enganché a Friends, pero me enamoré perdidamente de las líneas de bajo en esta canción).

Muchos ejemplos en esta época, pero es que entonces, la explosión de la música techno-pop trajo a muchos artistas a los que sólo conocemos por una canción. Un par de artistas como Dieter Bohlen y Giorgio Moroder componían y la guapita de turno movía las caderas y cantaba. Pero retrocedamos un poco en el tiempo y pongámonos algo más rockeros. Esto es un one-hit wonder, pese a quien pese.

Sí señor, Paul Rodgers y Cía no tuvieron más éxitos. Bad Company sí, pero como Free, ná de ná, chico. ¿Más de este tipo?

Norman Greenbaun – Spirits in the Sky
Procol Harum – A Whiter Shade of Pale
Jerry Mungo – In the Summertime
Mountain – Mississippi Queen
Golden Earring – Radar Love
Focus – Hocus Pocus
King Harvest – Dancing in the Moonlight (famosa la version de Toploader)
Rick Derringer – Rock & Roll Hoochie Koo
Ram Jam – Old Black Betty

Y por supuesto, el mayor ejemplo de banda de un solo éxito. Stallone acudió a ellos para que le hicieran un tema para Rocky III. Y vaya si lo hicieron. Pero nunca más se supo. Mira que no los ponía cara yo…

Y tantos, y tantos… Seguro que en alguno me he columpiado. Ilústrame. Dime qué me he dejado imperdonablemente o dónde he metido la pata hasta el fondo. Coge una de éstas y hazla de nuevo famosa con tu banda. Ya sabes que sólo intentamos echar un buen rato.

Salud!

Ya te comenté cómo me gustó la sala La Boite cuando la prendieron fuego los Electric Mary. Una sala pequeña en el mismo centro de Madrid, en la que muchos de los espectadores nos conocemos de cara a partir del segundo concierto. Somos todos de la misma calaña. Buscamos Rock & Roll. Y siendo así de acogedora, permite que todo se escuche decentemente desde cualquier ubicación. No obstante, cuanto más consiga acercarme a la mesa de sonido, mejor.

Deadstring Brothers: nos han sido presentados como hijos bastardos de Los Stones de los 70s y Gram Parsons. Originales de Detroit Rock City. Buenas credenciales. Poco después de las once suben los cuatro, capitaneados por Kurt: barbaza, sombrero tejano, Telecaster añeja y acople para la armónica (a lo Dylan). Comienzan preguntádonos ‘Are You Feelling Alright?’ y siguen dando caña con ‘Houston’ y ‘Smile’, temas de su último disco, ‘Sao Paulo’. ¡Suenan geniales, nene! Si cierras los ojos suenan aún mejor. Sí que te hacen pensar en el Exile On Main Street.

Sé lo que estás pensando. Ella no vino.

Suenan bien, son muy buenos, su música es de calidad, fácil y va directa al grano… Entonces… ¿Por qué me salgo a fumar a la cuarta canción? ¿Mono? El otro día aguanté casi tres horas viendo a los Obús. No sé… De repente tuve la sensación de que ya había visto suficiente. Que iba a ser todo así de plano, vamos. Es cierto que luego me agradó el primer bis a cuatro voces, pero la sensación sigue siendo la misma. ¿Cuántas veces has visto encima del escenario a gente cojonuda que no te ha acabado de llegar? Seamos claros. Parte de la culpa la tuvieron ellos. Parte de culpa la tuvieron los Sparkle Gross.

Esto no es una competición. No se trata de ganar o perder. Pero 20 minutos antes de que los Deadstring Brothers comenzaran su actuación, los chicos de Sparkle Gross recogían los merecidos aplausos del respetable al final de su actuación. Es atrevido decir que se metieron al público en el bolsillo, pero sí te puedo asegurar los que no les conocían se fueron con el nombre de la banda bien aprendido. ¿Por qué? Por el factor sorpresa.

Pasadas las diez, cinco chavales de Madrid esperan a la señal de la sala para comenzar a tocar. Tras una intro destartalada (adrede) empiezan su descarga de Rock & Roll. ‘Burn It Up’ les presenta como lo que son, una banda compacta, fresca, con ganas… Me mola como toca la batería Pablo, envolviendo el sonido de todos. Toti al bajo y Sergio a las teclas completan la recta columna vertebral. Nacho rasca la Les Paul sin adornos innecesarios, y Pedro pone la pimienta.

Pedro Cazorla no llama demasiado la atención hasta que se sube al escenario. Es entonces cuando le poseen los espíritus de Joe Cocker y John Belushi a la vez. Es el vocalista de Rock y Rythm & Blues por antonomasia, con una voz que quita el hipo y unos movimientos que te sumergen rápido en el rollo de Sparkle Gross. Pero un genial frontman sólo es la proa del barco. Insisto en que si lo demás no funcionase no iríamos a ningún sitio. Cinco personas. Cinco instrumentos. Cinco personalidades distintas. Un todo.

El EP que puedes encontrar en la web de SG tiene siete temas (a cada cual mejor), así que lo suyo hubiera sido tocar los siete. Suena ‘Bullshit Dream’, que continúa con el ritmo de la primera, pero van los mendas y en una actuación de apenas tres cuartos de hora aprovechan para meter canciones nuevas, como la creedenciana ‘The Shooter’. Seguro que alguna vez te ha pasado: lo normal es que si esas siete canciones del EP suenan tan bien, las nuevas pierdan algo de frescura. ¡Pues no! ¡Suenan!

Lo normal es que si bajan el ritmo de la actuación con un tema lento, que Pedro canta con la guitarra acústica sentado en el suelo el público se desconecte del show. ¡Pues no! Lo normal es que si tocan el mítico Rock Me Baby la caguen. ¡Pues no! Si se han atrevido con ella, estos se atreven con lo que sea, muchacho! Sergio al teclado se luce un par de veces (¡qué bueno es!) y Nacho es de los que da una patada en la puerta cuando le toca hacer el solo de guitarra. De un salto está encima de uno de los altavoces. “Esto es lo que somos!”.

Cierran con el tema con el que han decidido presentarse a todo el mundo. ‘Smell My’ huele a Crowes y Faces, y permite un final en lo alto para dejar buen sabor de boca al personal. Es el único momento de la noche en el que Pablo se permite un redoble a lo Bonzo invocando el espíritu de John Henry. Palmas en lo alto. A la peña le ha gustado. A mí me han vuelto a sorprender. ¿Qué pasaría si estos tíos no fueran españoles?

No quiero terminar sin dejar una cosa clara. Los Deadstring Bros. son muy buenos. Sígueles porque merecen la pena. Pero por supuesto. Sigue a los Sparkle Grosssssssssssssssssssssss.

Salud